Hay quien dijo que lo más profundo es la piel. Como sea, la piel es la frontera con el mundo. La superficie de la belleza y el lugar de las heridas. Aunque lo disimule, el ojo también es piel. Una particularmente vulnerable. El exterior/interior se organiza en la mirada. Este espacio tiene que ver con la construcción de un modo de mirar. Una forma de subjetividad a través de un modo de mirar teatro.

domingo, 28 de junio de 2015

Entretextos

Johann Heinrich Füssli, The nightmare
Una mujer dormida yace en la cama y tiene un íncubo sobre el pecho. En segundo plano asoma la cabeza de un caballo de aire fantasmal que contempla la escena. Es el sueño, pero también un tratamiento singular del claroscuro.
Bien podría ser Henriette, ese personaje teatral que duerme plácidamente frente a la mirada demorada de Heinrich. Henriette se despierta, sobresaltada. En la oscuridad de la noche, “pesadilla”, dicen las didascalias. Un íncubo. 
Un texto pictórico y un texto teatral frente a frente. De esto se trata Entretextos. La mirada intertexual de Alejandro Tantanian, ponencia presentada por Lydia Di Lello en las VII Jornadas de Investigación y Crítica Teatral.    
El dramaturgo Alejandro Tantanian reconoce a Johann Heinrich Füssli (1741-1825) y su universo nocturnal  como a uno de los artistas que formaron parte de su imaginario en la creación de Sumario de la muerte de Kleist. Se refiere particularmente a la pintura La pesadilla (The Nightmare, 1781), también conocida como El íncubo
“Nunca sabremos con certeza si las criaturas de Kleist  están despiertas o yacen abismadas en las más aterradoras de las pesadillas. El dormir, para Heinrich von Kleist, “es la inequívoca representación de todos los íncubos posados sobre todos los pechos en la más oscura y profunda de las noches posibles” dice Tantanian.
Luces y sombras se enhebran intensamente en la tela de Füssli. Sobre un fondo penumbroso, una luz ominosa, teatral, se demora sobre el cuerpo blanco de la mujer. Esta misma dramaticidad se respira en la pieza de Tantanian. Sus personajes envueltos en tinieblas son heridos por una violenta luminosidad. Pura luz y noche profunda construyen el universo de Sumario

lunes, 15 de junio de 2015

EN CARTEL

Tan gris, tan primaveral. Foto: Fabián Caero
La nariz roja, la máscara más pequeña del mundo, permite que emerja  la fragilidad del individuo, diría Jacques Lecoq. Esa nariz, diminuta y sin embargo ineludible, transforma los cuerpos, abre esclusas. Su utilización todo lo modifica. Más aún cuando el uso de la nariz aparece como discordante. Este es el caso de Tan gris, tan primaveral, un espectáculo que articula clown y dictadura  presente en la cartelera porteña.
Una  fuerte tensión atraviesa los personajes, todos con su nariz roja, en una clave clownesca de los cuerpos dispuestos a exponer lo irrisorio de sí mismos, pero presos en lo que se devela como un centro de detención. Este contraste feroz multiplica sentidos e interroga desde un lugar otro.
Un personaje avanza torpemente, detrás de una pila de cajas, Las cajas se caen, claro. El cuerpo se quiebra y sigue avanzando, quebrado. Ese cuerpo dislocado, que da risa, ¿es meramente un cuerpo farsesco o alude, también, a un cuerpo quebrado por la tortura?
Hay otro  modo de la resistencia, otro modo de la memoria, acaso el más poderoso, neblinoso pero vigorosamente popular: la risa.

Ficha técnica:
Clowns: Paula Cohen Noguerol, Alejandra Martínez, Anibal Brito, Luciano Rojas, Andrés Etienne, Fabián Caero
Dramaturgia: Tato Cayón
Dirección: Fabián Caero
Asistencia de dirección: Yanina Grasso
Producción: Michelle Wejcman
Vestuario: Celina Baribieri
Escenografía: Serendipia Teatral
Construcción Maquina: Osvaldo Melián
Fotografía: Luciano Rojas
Diseño Gráfico: Agustina Belen Perez
Video: Rodrigo Pedro González, Hernán Rodríguez Glossman
Prensa y comunicación: Cecilia Dellatorre y Analía Cobas

Sábados 22 horas, Centro Cultural El Deseo, Saavedra 569 CABA.

domingo, 12 de abril de 2015

Las piruetas de la muerte

Foto: Yamila Mónaco
Alguien atrasa el reloj, lo adelanta, como si eso fuera posible. En todo caso, el tiempo de la vida es amenazado por la hora señalada de la muerte y eso sí es posible.
El tiempo de la vida y el tiempo de la muerte  conforman el eje dramático alrededor del cual se desarrolla la acción vertiginosa de Arlequín, Pierrot, el Dottore y Colombina redivivos. El lenguaje de La Commedia dell’arte late enérgico en Tamorto (Romance de Arlequín y la muerte), presentado en el marco del Festival Humoris Causa que se desarrolla por estos días en el Centro Cultural de la Cooperación. 
Tamorto despliega infinidad de técnicas teatrales. En el ímpetu de la acción se echa mano a los recursos del clown, del bufón, del payaso de circo. Todo marcado por la música, el canto, la percusión. Máscaras que se desenmascaran para tomar un respiro de la acción, enternecen en su vulnerabilidad.
Como señala irónicamente el título de la pieza, Arlequín está sentenciado desde un principio. Morirá a las doce pero en “el entre” de la muerte que es la vida, Tamorto nos regala la risa. 

Ficha técnica
Actúan: Jorge Costa, Emiliano Larea, Julia Muzio, Fernando Pérez, Valeria Stilman
Músicos: Fernando Pérez
Vestuario: Almendra Vestuarios
Escenografía: Jorge Costa, Emiliano Larea, Fernando Pérez, Valeria Stilman
Máscaras: Alfredo Iriarte
Diseño de luces: Jorge Costa, Emiliano Larea, Roberto Sánchez
Diseño gráfico: Julia Izaguirre
Vestuario: Almendra Vestuarios
Escenografía: Jorge Costa, Emiliano Larea, Fernando Pérez, Valeria Stilman
Máscaras: Alfredo Iriarte
Diseño de luces: Jorge Costa, Emiliano Larea, Roberto Sánchez
Diseño gráfico: Julia Izaguirre
Dirección musical: Fernando Pérez
Dirección: Jorge Costa, Roberto Sánchez
Prensa: tehagolaprensa

Funciones
Viernes 23 horas. Belisario Club de Cultura
Corrientes 1624 Ciudad Autónoma de Buenos Aires

domingo, 15 de marzo de 2015

Morir de poesía

Foto de Ernesto Donegana
Durante medio siglo
la poesía fue
el paraíso del tonto solemne.
hasta que vine yo
y me instalé con mi montaña rusa.
Suban, si les parece.
Claro que yo no respondo si bajan
echando sangre por boca y narices.

Poesía militante. Poesía que rasga el aire. Poesía que se canta a viva voz. Lengua de la tierra que se hace cuerpo en la voz vigorosa de Patricio Contreras. Voz musicalizada por Diego Penelas. Voz hecha espacio, espacio escénico, por Alejandro Tantanian.
Esto es 
Patricio Contreras dice Nicanor Parra
un espectáculo bello, intenso, singular, que se presenta los viernes en el Centro Cultural de la Cooperación.
Quizás el acmé, el momento de máximo esplendor, es precisamente, cuando los tres artistas convergen en el Poema defensa de Violeta Parra. unen su presencia, su canto, secundados por un coro de jóvenes actores. Multiplicación de voces, una sola voz. Goce teatral puro.

Ficha técnica
Actores: Patricio Contreras. 
Felipe Díaz, Juan Gabriel Miño, Camilo Polotto
Selección de textos: Patricio Contreras
Música original, dirección musical y piano: Diego Penelas
Espacio, luz, musicalización y dirección: Alejandro Tantanian
Diseño gráfico: Nicolás Lodigiani
Fotografía: Ernesto Donegana
Asistencia de dirección: Alberto Antonio Romero
Producción: Mónica Paixao
Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación. Corrientes 1543. Viernes, 20 horas (8 únicas funciones).

martes, 6 de enero de 2015

Shakespeare después de Auschwitz

En el triste traje de prisionero de Ricardo III hay una estrella amarilla que lo señala, lo estigmatiza, lo victimiza. Éste es el oxímoron, la máquina que mueve la puesta en escena: el asesino es una víctima.
El cuerpo del protagonista es, en sí mismo, un cuerpo del sacrificio. La misma tensión atraviesa a los secuaces del tirano. Los verdugos visten casco y capote de oficiales nazis, pero sobre ellos se advierte la indisimulable marca del horror.
Mi análisis del Ricardo III de Jorge Eines en Palos y Piedras, la revista on line del Centro Cultural de la Cooperación, N° 21 [Diciembre 2014].

Shakespeare después de Auschwitz, Lydia Di Lello

sábado, 13 de diciembre de 2014

IX Festival Beckett Buenos Aires

“Camino en el campo con árbol”, indica el inicio de Esperando a Godot.
Hamm y Clov, los protagonistas de Fin de Partida  habitan un espacio cerrado, asfixiante. Sólo dos pequeñas ventanas testimonian  un difuso e inaccesible mundo exterior. Nagg y Nell, los padres de Hamm, viven en tachos de basura. Los personajes de Play son cabezas parlantes atrapadas en urnas. En La última cinta de Krapp el mundo exterior es apenas un recuerdo que evoca la voz extraña de una cinta magnetofónica. Winnie, la protagonista de Los días felices, en una singular conjunción de vacío y encierro, está hundida en un montículo de arena, primero hasta la cintura y luego hasta el cuello, un montículo ubicado en un lugar desértico. Una especie de nada.
El espacio en la obra de Samuel Beckett oscila entre la vaguedad de sitios cuasi desérticos, indefinidos, una suerte de “no-lugares” en el sentido desarrollado por Marc Augé donde los personajes deambulan o simplemente están, y espacios cerrados, agobiantes. Acaso el propio mundo interior.
Los personajes de Tejido abierto. Tejido Beckett, un montaje del director Jorge Eines sobre textos de Beckett, merodean una estación de trenes abandonada. Un riel atraviesa el escenario marcando una ausencia. La ausencia presente de ese tren que no llegará nunca. No está el tren, está la espera. Las criaturas de Eines están pobremente vestidas con ropas color tierra. Cada uno arrastra trabajosamente una valija.  
Aquí conviven las dos concepciones de espacio presentes en la dramaturgia de Beckett, el “no lugar” plasmado en ese lugar de tránsito que es una estación de tren, en este caso muerta. Y lo cerrado en esa maleta que cada personaje carga. Cada uno, su cuerpo constreñido a la valija, porta su propia interioridad. Cada uno carga su propio espacio.
Cuerpos a la intemperie. Cuerpos encerrados.

Fragmento de la ponencia El yo en el teatro del No Yo, Lydia Di Lello (IX Festival Beckett,  Buenos Aires, diciembre 2014), una mirada sobre Tejido Abierto Tejido Beckett, montaje del director Jorge Eines sobre textos de Samuel Beckett. Estrenado en el Festival de Otoño de 2010 en el Teatro Español de Madrid y presentado en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires, temporada 2011.


miércoles, 19 de noviembre de 2014

Premios Teatro del Mundo 2014

Premio Homenaje 2014 a Alejandro Urdapilleta
El viernes 28 de noviembre, a las cuatro de la tarde, en la sala Batato Barea del Centro Cultural Ricardo Rojas (Corrientes 2038) se realizará la XVII entrega de los Premios Teatro del Mundo período octubre 2013-septiembre 2014.
El Premio Teatro del Mundo es una distinción que otorga el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la UBA desde 1998. En su decimoséptima edición, integramos el Jurado setenta y tres investigadores y críticos teatrales de la Universidad y especialistas invitados.
El objetivo es dinstiguir la excelencia en diferentes áreas de la actividad teatral argentina e internacional. Esta distinción se diferencia de otras porque incluye Trabajos Destacados (no nominaciones) y un Premio Mayor en cada rubro. 
Este año, el Premio Teatro del mundo en el rubro homenaje será otorgado a Alejandro Urdapilleta (1954-2013), que se fue de gira. Uno de los actores que renovó la escena de los ochenta. Un actor enorme. 

Ver nómina de los teatristas destacados en 2014